Ancora Ensemble - Vivaldi & Piazzola en GRANADA

Antonio Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678 - Viena, 28 de julio de 1741). Compositor del alto barroco, apodado il prete rosso ("el cura rojo") por ser sacerdote, pelirrojo y vestir una capa roja. Compuso unas 770 obras, entre las cuales se cuentan 477 concerti y 46 óperas.

Su padre, el violinista Giovanni Batista Vivaldi, fue su primer maestro, otro de los cuales fue, probablemente, Giovanni Legrenzi. El 18 de septiembre de 1693 ingresó en un seminario y recibió sus primeras órdenes religiosas. En 1699 fue nombrado Subdiácono (4 de abril), luego Diácono (18 de septiembre de 1700) y finalmente ungido sacerdote el 23 de marzo de1703. Más inclinado hacia la música que hacia las obligaciones religiosas, eventualmente logró se le permitiera dejar de decir misa por razones de salud.

El Padre de Antonio Lucio Vivaldi, el violinista Giovanni Battista, apodado Rossi (el Pelirrojo), fue miembro fundador del Sovvegno de’ musicisti di Santa Cecilia, organización profesional de músicos venecianos, asi mismo fue violinista en la orquesta de la basílica de San Marcos y en la del teatro de S. Giovanni Grisostomo. La carrera del veneciano estuvo marcada por cuatro grandes etapas, dominadas todas ellas por la figura paterna:

La primera fue la de la adquisición de una fama europea en el terreno de la música instrumental con la publicación, por el editor veneciano Sala y después por el prestigioso impresor holandés Roger, de dos opus de sonatas para violín y dos colecciones revolucionarias de conciertos para el mismo instrumento: L’ Estro armonico en 1711, seguido de La Stravaganza en 1714. Estas obras novedosas superaron las innovaciones de Torelli y Albinoni, y le garantizaron un éxito fenomenal que se tradujo, en particular, en la reimpresión inmediata de sus opus en Londres y París. La importancia de Vivaldi, radica en haber consolidado la estructura del concierto como género. Mientras Torelli y Corelli entre otros habían planteado el diálogo entre solista y orquesta, fue Vivaldi quien la estructuró de una manera más compacta. La forma ternaria simple, con Exposición del Tema, Desarrollo y Reexposición del Tema, fue la base de esta novedosa estructura.

1. EXPOSICION. El tema o idea principal, presentado en la Exposición en la tonalidad base.
2. DESARROLLO. En esta sección,el tema, es transformado armónica, rítmica y melódicamente. Se alterna la participación del solista (o los solistas), con la presentación abreviada del Tema (en otras tonalidades) por parte de la orquesta.
3. REEXPOSICION. Finalmente, reaparece el tema inicial en la tonalidad original, cerrando una idea musical.

Esta forma musical, perfeccionada del "ritornello", se utilizó para los dos movimientos rápidos del concierto con solista (I y III), mientras el segundo, de carácter lento, podía estar en forma binaria, o ternaria, siendo el solista el que prevalece. Esta forma se difundió entre los compositores de diversos países, donde se fue aplicando progresivamente en conciertos para diversos instrumentos. La reputación de Vivaldi, se impuso asimismo en Alemania, donde Johann Sebastian Bach lo descubrió, admiró y transcribió, inspirándose en él para sus composiciones instrumentales, creando arreglos de sus obras para ser interpretadas en instrumentos de teclado. Bach desarrolló aún más la forma establecida por Vivaldi, aplicando nuevos principios como la polifoníay el uso de dos secciones en la exposición del tema.

La segunda etapa fue la de su contrato en la Ospedale della Pietà, un orfanato para niñas de su ciudad. Para ellas fueron creadas muchas de sus composiciones; en algunas transcripciones modernas de sus obras pueden leerse aún los nombres de las jóvenes para quienes iba dedicada cada aria. El 1 de septiembre de 1703, recién ordenado sacerdote y con 25 años, Vivaldi fue nombrado, maestro de violino de la orquesta de la Pietà y encargado después de la enseñanza de la viola all’ inglese. Su función era la docencia y adquisición de ciertos instrumentos para sus alumnas y la dirección de la orquesta de aquella institución que albergaba un famoso coro que reunía al conjunto de internas intérpretes. El nombramiento de un músico tan joven para aquel puesto envidiado da testimonio de los importantes apoyos de los que gozaba, y de la fama de compositor, fundada sin duda en la difusión manuscrita de sus obras antes de ser publicadas, pero, por encima de todo, en su formidable celebridad como prodigio del violín, que durante mucho tiempo suplantaría su renombre como compositor en Venecia e Italia. Vivaldi realizó en la Pietà a lo largo de su vida una carrera tumultuosa, consecuencia de su personalidad histriónica y enfermizamente independiente. Pero sus caóticas relaciones con aquella institución, sembradas de rupturas y reconciliaciones, no le impidieron hacer de aquel puesto prestigioso su laboratorio y su santuario, al mismo tiempo.

La tercera etapa fue la de su oficio como compositor y empresario de Opera, obteniendo grandes éxitos, fue cuando conoció a Anna Giraud, una joven cantante, que a partir de entonces estaría siempre con él. Fue entonces cuando compuso en Vicenza, en mayo de 1713, Ottone in villa, su primera ópera conocida, seguida de una auténtica conquista de la Venecia teatral que se basó en el control de los pequeños teatros de Sant’ Angelo y San Moise. Las partituras de las óperas fechadas en este primer período veneciano nos muestran unas obras suntuosas, exuberantes, testimonio de un temperamento dramático excepcional. Aquellas composiciones innovadoras e inquietantes, que imponían el stile nuovo atacando frontalmente al stile antico elogiado por los conservadores, le valieron la hostilidad de una gran parte de la aristocracia veneciana, cuyos teatros le cerraron herméticamente sus puertas. Por aquellas fechas, Vivaldi se confirmó igualmente como un formidable descubridor de la voz: él es, en efecto, quien dio a conocer a cantantes famosos como Fabri, Merighi o Strada, mucho antes de que Handel los contratara en Londres. En esa misma época, el compositor veneciano se impuso también y sobre todo como impresario en el sentido etimológico de la palabra, es decir, como empresario de espectáculos que produce tanto óperas propias como de otros compositores, revisándolas o uniéndolas a sus propias producciones.

Los cuadernos de viaje de un rico arquitecto de Francfort, Johann Friedrich Armand von Uffenbach, que asistió a la temporada de carnaval en Sant’ Angelo en 1715, nos ofrecen un vívido testimonio de este periodo de frenética actividad. Aquel aficionado ilustrado critica en sus notas los decorados y el vestuario, y admira a los cantantes diciendo que “fueron incomparables y no desmerecieron en nada de los del gran teatro”, es decir, el de S. Giovanni Grisostomo. Pero sobre todo se muestra estupefacto por Vivaldi, que le fascina con sus prodigiosas intervenciones al violín. Uffenbach escribe lo siguiente en su cuaderno: “Hacia el final, Vivaldi interpretó un magnífico solo seguido de una cadencia improvisada que me dejó verdaderamente estupefacto, pues no es posible que alguien haya tocado o llegue nunca a tocar así. Colocaba los dedos a un pelo del puente, hasta el punto de no dejar sitio para el arco, y lo hacía además sobre las cuatro cuerdas, realizando imitaciones y tocando con una rapidez increíbles”. La carrera lírica de Vivaldi remontó así su vuelo guiada por dos consignas: reformar y sorprender, en una coincidencia llamativa y premonitoria de arte y estrategia comercial.

La cuarta etapa de ese despegue fue la del desarrollo de una actividad estructurada como compositor particular, que multiplicaba sus compromisos puntuales y lucrativos con una red de clientes y mecenas. Esta actividad tuvo como objeto tanto la música instrumental, con la venta de conciertos escritos o adaptados específicamente en función de los encargos; la música vocal profana, con la venta de arias de óperas, cantatas o serenatas; y la música religiosa, mediante la composición de motetes, himnos, salmos y conciertos sacros para diferentes instituciones. Así es como Vivaldi escribió su Stabat Mater en 1712 para una iglesia de Brescia. Y así compuso también su primer oratorio, La vittoria navale, interpretado en Vicenza en junio de 1713.

Una de sus obras más conocidas son los primeros 4 de los 12 conciertos para violín de su Opus 8 denominados por Vivaldi como Il Cimento dell'Armonia e dell'invenzione (La Pelea entre la Armonia y la Razon), conciertos que fueron conocidos luego como Las cuatro estaciones.

Vivaldi está considerado como uno de los precursores de la música romántica. Sin embargo, no todos los músicos se mostraron tan entusiasmados con las obras del compositor italiano. Ígor Stravinski dijo de forma provocativa que Vivaldi "no había escrito cientos de conciertos, sino un único concierto repetido cientos de veces". Pero es precisamente, debido al establecimiento de la estructura del concierto con solista por parte de Vivialdi, que su desarrollo culminó con los Conciertos de Brandenburgo de J.S. Bach.

En el Siglo XX volvió a aparecer el interés por la obra de Vivaldi. Mencionemos a Antonio Fanna, Gian Francesco Malipiero, Angelo Ephrikian, y en especial Alfred Einstein quienes han difundido, editado y grabado en disco las obras de Vivaldi, muchas veces partiendo de manuscritos originales del compositor.

Nació en Argentina, Mar del Plata, en 1921, hijo de inmigrantes italianos, Piazzolla paso la mayor parte de su niñez junto a su familia en New York. Mientras tanto, adquirió fluidez en cuatro lenguas: español, ingles, francés e italiano. Comenzó a tocar el bandoneón a la edad de 6 años, consagrándose rápidamente como niño prodigio. Siendo aún un niño, conoció a Carlos Gardel, otra de las grandes figuras del tango. Regresó a Argentina en 1937, donde el tango estrictamente tradicional aún reinaba, y toco en clubes nocturnos con una serie de orquestas mediocres. El pianista Arthur Rubinstein (quien vivía en Buenos Aires) le aconsejó que estudiara con el compositor argentino Alberto Ginastera. Profundizando en piezas de Stravinsky, Bartók y Ravel, abandonó el tango temporalmente para componer música clásica contemporánea.

Exhortado por Ginastera, en 1953 Piazzolla inscribe su sinfonía "Buenos Aires" en un concurso de composición, ganando una beca completa, por el gobierno francés, para estudiar en París con la compositora y conductora francesa Nadia Boulanger.

La perspicaz maestra cambio el rumbo de su vida en un día, como Piazzolla en estas palabras: "Apenas la conocí, le mostré mis kilos de sinfonías y sonatas. Ella se puso a leerlas hasta que, repentinamente, me contesto con esta terrible frase: 'Esto esta muy bien escrito.' y se detuvo, un buen rato, giro como un balón de fútbol. Luego de un largo rato dijo: 'Veo aquí mucho de Stravinsky, Bartok, Ravel, pero, ¿sabes que pasa?. No puedo encontrar a Piazzolla en todo esto.'. Y comenzó a averiguar sobre mi vida: que hacia, que tocaba y que no, si era soltero, casado, o si estaba viviendo con alguien, era como una agente del FBI!. Estaba muy avergonzado de confesarle que había sido músico de tango, pero finalmente dije: 'Toco en un club nocturno', no quise decir cabaret. Y me pregunto 'Club nocturno.. pues si, es un cabaret, o no?' 'Si,' respondí, y pensé, 'Golpeare a esta mujer en la cabeza con una radio...' No era fácil mentirle."
Ella continuo preguntando: 'Dices que no eres un pianista. ¿Que instrumento tocas entonces?' Y no quise decirle que era un bandoneonista, porque pensé: 'Me tirará desde el cuarto piso.' Finalmente yo confesé y ella me pidió que le dejara oír algunos compases de tango que hubiera compuesto. Ella abrió sus ojos repentinamente, tomo mi mano y me dijo 'Idiota, este es Piazzolla!' y tomo toda la música que había compuesto, diez años de mi vida, y la envió al infierno en dos segundos."

Piazzolla regreso a Argentina en 1955, creó el octeto "Buenos Aires" para volver al tango, y nunca mas lo dejó.

Al intentar introducir su nueva propuesta al tango (nuevo tango), se convirtió en una figura controversial para los argentinos, musical y políticamente. El dicho argentino: "En Argentina todo debe cambiar, menos el tango" sugiere alguna de la resistencia que encontró en su tierra natal. De cualquier modo, su música ganó amplia aceptación en Europa y Norteamérica, y su replanteo del tango fue aceptado algunos sectores liberales de la sociedad argentina que pugnaban por cambios politicos paralelos a su revolución musical.

Mientra duro la dictadura militar argentina, desde 1976 hasta 1983, Piazzolla vivió en Italia, pero regreso muchas veces a Argentina, grabo allí.

En 1990 sufre de una trombosis en París y falleció dos años después en Buenos Aires.

El nuevo tango de Piazzolla se distingue del tango tradicional en que este incorpora elementos del Jazz, hace buen uso de la armonía y la disonancia, en su uso del ritmo y su audacia para extender sus formas. Piazzolla también introdujo nuevos instrumentos que no eran usados en el tango tradicional, como la flauta, el saxofón, la guitarra eléctrica, instrumentos electrónicos, y la batería.

Piazzolla toco con numerosos asembles, comenzando con la orquesta 1946, luego con "Octeto Buenos Aires" en 1955, "First Quintet" en 1960, el "Noneto" en 1971, el "Segundo quinteto" en 1978 y "Sextet" en 1989. Así como proveedor de gran cantidad de composiciones y arreglos originales, fue compositor y bandoneonista en todos ellos. También grabo un álbum con el famoso chelista Yo-Yo Ma y otro con el saxofonista de jazz Gerry Muligan. Sus numerosas composiciones incluyen trabajos orquestales como el "Concierto para bandoneón, orquesta, cuerdas y percusión", "Doble-Concierto para Bandoneón y Guitarra", "Tres Tangos Sinfónicos" y "Concierto de Nácar para 9 Tanguistas y Orquesta", así como varias canciones como "Balada para un loco", "Balada para mi muerte", "Preludio para el año 3000", "Milonga del ángel", "María de Buenos Aires" y "Adiós nonino", este ultimo, que es dedicado a su padre, fue grabado muchas veces por diferentes músicos y ensambles. Los biógrafos estiman que Piazzolla compuso alrededor de 3.000 piezas y grabó unas 500.


http://www.piazzolla.org/index-espanol.html