Rodrigo Alejandro Bueno (Córdoba, 24 de mayo de 1973 – Hudson, Buenos Aires, 24 de junio de 2000), conocido por su nombre Rodrigo o por el apodo El Potro, fue un cantante argentino de cuarteto.

Biografía

La primera aparición de Rodrigo en público fue a los dos años de edad, en un programa de televisión denominado Fiesta del Cuarteto, siendo Juan Carlos "La Mona" Jiménez quien lo subió al escenario, el cual era muy amigo de la madre de Rodrigo.

Música

A los dos años de edad tuvo su debut en el medio artístico junto al grupo Chébere ante aproximadamente 5.000 personas, siendo poco después invitado en casi todas las actuaciones del mismo grupo. A los doce años de edad se integró al grupo Manto Negro, en el cual duraría hasta los 17 años. Después de dicha edad decidió empezar su carrera como solista, y su primer álbum se titula La foto de tu cuerpo. El álbum lleva el nombre de una canción compuesta por Rodrigo cuando tenía trece años.
En 1991, lanzó su segundo álbum llamado Aprendiendo a vivir y con el lanzamiento de dicho álbum viajó a la ciudad de Buenos Aires para hacerse allí mismo. El álbum fue presentado en el boliche Fantástico Bailable, así como también un año más tarde sería presentado el tercer disco Completamente enamorado.
Ese año, grabó un nuevo álbum, titulado Made in Cordoba, ahí le graba "La Virgen María de mi alma" y al poco tiempo "De enero a Diciembre" (en 1995). Para ese entonces, la carrera de Rodrigo iba creciendo. Ese mismo año, el padre y representante de Rodrigo, Eduardo Alberto «Pichín» Bueno falleció en los brazos del cantante a los 46 años de edad por un problema cardíaco.
En 1995, firmó con Sony y grabó el disco Sabroso, el cual contenía canciones del estilo salsa y merengue. Sabroso no tuvo el apoyo de la disquera y terminó sin el éxito que se esperaba. Tras este periodo, Sony le devolvió el contrato a Rodrigo. En 1996, con el sello discográfico Magenta, Bueno lanzó Lo mejor del amor. Por este trabajo recibió el premio ACE.
Al año siguiente, Bueno tuvo a su primer hijo varón. Unos meses más tarde, grabó el disco La leyenda continúa, el cual fue grabado en vivo en el boliche Fantástico de Buenos Aires. Este trabajo se convirtió rápidamente en Disco de Oro.
Su despegue definitivo fue con el trabajo Cuarteteando, grabado en Córdoba. Canciones como «Y voló, voló» y «Ocho Cuarenta» fueron los más exitosos del disco.
En 1999 lanzó una recopilación con sus temas más conocidos bajo el título de «El Potro» y ese mismo año también lanzó al mercado otro trabajo grabado en vivo en S'Combro Bailable de José C. Paz, cuyo álbum fue denominado: Cuarteto Característico o también llamado A 2000, que incluía temas como «Yerba Mala», «Soy Cordobés», y «Un largo camino al cielo».
En 2000 llenó en trece ocasiones el estadio cubierto Luna Park, lo que se convirtió en un récord. Ese mismo año se encontró con Diego Armando Maradona, uno de sus ídolos, cumpliéndose así uno de sus sueños y dedicándole un tema que fue éxito el cual fue titulado: La mano de Dios.

Muerte

El 24 de junio de 2000, Rodrigo Bueno fue a la grabación del programa de televisión La Biblia y el calefón, y luego se fue a cenar junto con su representante, sus músicos, su pequeño hijo Ramiro y la madre de éste en El Corralón, allí es donde se encuentra con el hijo del fallecido Alberto Olmedo (Fernando) al cual invita a su recital en City Bell en la disco Escándalo. El recital en Escándalo fue grabado por el programa de televisión «El Rayo», siendo el notero Nacho Goano, quien había participado también en la grabación del programa La biblia y el calefón.2 Luego del recital, Rodrigo se dirigía para Buenos Aires por la ruta Bs As- La Plata. Rodrigo se encontraba conduciendo su Ford Explorer Roja, en la cual viajaban su pequeño hijo Ramiro, la madre de éste y Fernando Olmedo cuando se produce un accidente poco claro en el cual se vio involucrado un individuo, Alfredo Pesquera, (quien luego iría a juicio y sería declarado inocente por la justicia). Como producto de este hecho, Rodrigo Bueno perdió la vida, así como también lo hizo Fernando Olmedo.3 Los demás acompañantes sobrevivieron. El accidente ocurrió en la madrugada del 24 de junio en Berazategui. Bueno murió en la misma fecha en la que se cumplía un nuevo aniversario de la muerte del cantante de tango Carlos Gardel.
En el lugar de su muerte se realizó una especie de santuario. También se editaron varios álbumes, algunos fueron simples recopilaciones mientras que otros publicaban material inédito del cantante cordobés. A su velorio concurrieron miles de personas y muchísimos famosos, destacándose entre ellos a Diego Maradona y Susana Giménez.
En Costa Rica el estudio donde grabó su décimo disco, fue cambiado por el nombre de "El Potro" al cumplirse un año del trágico suceso

Serguéy Vasílievich Rachmaninov (Серге́й Васи́льевич Рахма́нинов) (Semiónovo, 1 de abril de 1873 — Beverly Hills (Los Ángeles, EE.UU.), 28 de marzo de 1943), fue un destacado compositor, pianista y director de orquesta ruso, uno de los últimos grandes compositores romanticistas de la música clásica Europea, actualmente considerado uno de los pianistas más influyentes del siglo XX.

Algunas traducciones en otros idiomas para su nombre incluyen Sergey o Serge y Rachmaninov, Rachmaninow, Rahmaninov, Rahmanjinov o Rakhmaninov. «Sergei Rachmaninoff» es el nombre que el mismo Rajmáninov usaba mientras vivía en Occidente.

Sus primeras lecciones de música las recibió de su madre. A los nueve años comenzó sus estudios musicales en el conservatorio de San Petersburgo y los terminó en 1892 en Moscú. En 1902 se casó con su prima Natalia. En 1904 (a los 31 años) lo contrataron por espacio de dos años como director de orquesta en el Teatro Bolshoy de Moscú. Realizó diversas giras por todo el mundo como pianista. En 1917, después de la revolución rusa, se fue de su país y vivió en París (Francia), Suiza y a partir de 1935 se instaló en Estados Unidos. Murió de cáncer en Beverly Hills (Los Ángeles, EE.UU.) el 28 de marzo de 1943, a punto de cumplir 70 años.

Obras más importantes:
* Primer concierto para piano y orquesta (1891)
* Preludio en do sostenido menor, Op. 3 nº2 (1892), durante su vida fue su obra más conocida.
* Trío elegíaco (1893), a la memoria de su admirado músico Piotr Ilich Chaikovski.
* Primera sinfonía (1897).
* Segundo concierto para piano en do menor Op. 18 (1899), una de sus piezas más conocidas actualmente. Dedicado al Dr. Nikolai Dahl que lo ayudó a superar la depresión que le produjo el fracaso de su Primera Sinfonía.
* Piano Concerto No. 3 en re menor, Op. 30 (1909) Dedicado a Josef Hofmann. Una de las obras para piano y orquesta más exigentes del repertorio. Inmortalizado en la película "Shine" (1996)
* Preludio en si bemol mayor, Op. 23, nº 2
* Preludio en re mayor, Op. 23, nº 4
* La isla de los muertos, Op. 29 (poema sinfónico).

Antonio Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678 - Viena, 28 de julio de 1741). Compositor del alto barroco, apodado il prete rosso ("el cura rojo") por ser sacerdote, pelirrojo y vestir una capa roja. Compuso unas 770 obras, entre las cuales se cuentan 477 concerti y 46 óperas.

Su padre, el violinista Giovanni Batista Vivaldi, fue su primer maestro, otro de los cuales fue, probablemente, Giovanni Legrenzi. El 18 de septiembre de 1693 ingresó en un seminario y recibió sus primeras órdenes religiosas. En 1699 fue nombrado Subdiácono (4 de abril), luego Diácono (18 de septiembre de 1700) y finalmente ungido sacerdote el 23 de marzo de1703. Más inclinado hacia la música que hacia las obligaciones religiosas, eventualmente logró se le permitiera dejar de decir misa por razones de salud.

El Padre de Antonio Lucio Vivaldi, el violinista Giovanni Battista, apodado Rossi (el Pelirrojo), fue miembro fundador del Sovvegno de’ musicisti di Santa Cecilia, organización profesional de músicos venecianos, asi mismo fue violinista en la orquesta de la basílica de San Marcos y en la del teatro de S. Giovanni Grisostomo. La carrera del veneciano estuvo marcada por cuatro grandes etapas, dominadas todas ellas por la figura paterna:

La primera fue la de la adquisición de una fama europea en el terreno de la música instrumental con la publicación, por el editor veneciano Sala y después por el prestigioso impresor holandés Roger, de dos opus de sonatas para violín y dos colecciones revolucionarias de conciertos para el mismo instrumento: L’ Estro armonico en 1711, seguido de La Stravaganza en 1714. Estas obras novedosas superaron las innovaciones de Torelli y Albinoni, y le garantizaron un éxito fenomenal que se tradujo, en particular, en la reimpresión inmediata de sus opus en Londres y París. La importancia de Vivaldi, radica en haber consolidado la estructura del concierto como género. Mientras Torelli y Corelli entre otros habían planteado el diálogo entre solista y orquesta, fue Vivaldi quien la estructuró de una manera más compacta. La forma ternaria simple, con Exposición del Tema, Desarrollo y Reexposición del Tema, fue la base de esta novedosa estructura.

1. EXPOSICION. El tema o idea principal, presentado en la Exposición en la tonalidad base.
2. DESARROLLO. En esta sección,el tema, es transformado armónica, rítmica y melódicamente. Se alterna la participación del solista (o los solistas), con la presentación abreviada del Tema (en otras tonalidades) por parte de la orquesta.
3. REEXPOSICION. Finalmente, reaparece el tema inicial en la tonalidad original, cerrando una idea musical.

Esta forma musical, perfeccionada del "ritornello", se utilizó para los dos movimientos rápidos del concierto con solista (I y III), mientras el segundo, de carácter lento, podía estar en forma binaria, o ternaria, siendo el solista el que prevalece. Esta forma se difundió entre los compositores de diversos países, donde se fue aplicando progresivamente en conciertos para diversos instrumentos. La reputación de Vivaldi, se impuso asimismo en Alemania, donde Johann Sebastian Bach lo descubrió, admiró y transcribió, inspirándose en él para sus composiciones instrumentales, creando arreglos de sus obras para ser interpretadas en instrumentos de teclado. Bach desarrolló aún más la forma establecida por Vivaldi, aplicando nuevos principios como la polifoníay el uso de dos secciones en la exposición del tema.

La segunda etapa fue la de su contrato en la Ospedale della Pietà, un orfanato para niñas de su ciudad. Para ellas fueron creadas muchas de sus composiciones; en algunas transcripciones modernas de sus obras pueden leerse aún los nombres de las jóvenes para quienes iba dedicada cada aria. El 1 de septiembre de 1703, recién ordenado sacerdote y con 25 años, Vivaldi fue nombrado, maestro de violino de la orquesta de la Pietà y encargado después de la enseñanza de la viola all’ inglese. Su función era la docencia y adquisición de ciertos instrumentos para sus alumnas y la dirección de la orquesta de aquella institución que albergaba un famoso coro que reunía al conjunto de internas intérpretes. El nombramiento de un músico tan joven para aquel puesto envidiado da testimonio de los importantes apoyos de los que gozaba, y de la fama de compositor, fundada sin duda en la difusión manuscrita de sus obras antes de ser publicadas, pero, por encima de todo, en su formidable celebridad como prodigio del violín, que durante mucho tiempo suplantaría su renombre como compositor en Venecia e Italia. Vivaldi realizó en la Pietà a lo largo de su vida una carrera tumultuosa, consecuencia de su personalidad histriónica y enfermizamente independiente. Pero sus caóticas relaciones con aquella institución, sembradas de rupturas y reconciliaciones, no le impidieron hacer de aquel puesto prestigioso su laboratorio y su santuario, al mismo tiempo.

La tercera etapa fue la de su oficio como compositor y empresario de Opera, obteniendo grandes éxitos, fue cuando conoció a Anna Giraud, una joven cantante, que a partir de entonces estaría siempre con él. Fue entonces cuando compuso en Vicenza, en mayo de 1713, Ottone in villa, su primera ópera conocida, seguida de una auténtica conquista de la Venecia teatral que se basó en el control de los pequeños teatros de Sant’ Angelo y San Moise. Las partituras de las óperas fechadas en este primer período veneciano nos muestran unas obras suntuosas, exuberantes, testimonio de un temperamento dramático excepcional. Aquellas composiciones innovadoras e inquietantes, que imponían el stile nuovo atacando frontalmente al stile antico elogiado por los conservadores, le valieron la hostilidad de una gran parte de la aristocracia veneciana, cuyos teatros le cerraron herméticamente sus puertas. Por aquellas fechas, Vivaldi se confirmó igualmente como un formidable descubridor de la voz: él es, en efecto, quien dio a conocer a cantantes famosos como Fabri, Merighi o Strada, mucho antes de que Handel los contratara en Londres. En esa misma época, el compositor veneciano se impuso también y sobre todo como impresario en el sentido etimológico de la palabra, es decir, como empresario de espectáculos que produce tanto óperas propias como de otros compositores, revisándolas o uniéndolas a sus propias producciones.

Los cuadernos de viaje de un rico arquitecto de Francfort, Johann Friedrich Armand von Uffenbach, que asistió a la temporada de carnaval en Sant’ Angelo en 1715, nos ofrecen un vívido testimonio de este periodo de frenética actividad. Aquel aficionado ilustrado critica en sus notas los decorados y el vestuario, y admira a los cantantes diciendo que “fueron incomparables y no desmerecieron en nada de los del gran teatro”, es decir, el de S. Giovanni Grisostomo. Pero sobre todo se muestra estupefacto por Vivaldi, que le fascina con sus prodigiosas intervenciones al violín. Uffenbach escribe lo siguiente en su cuaderno: “Hacia el final, Vivaldi interpretó un magnífico solo seguido de una cadencia improvisada que me dejó verdaderamente estupefacto, pues no es posible que alguien haya tocado o llegue nunca a tocar así. Colocaba los dedos a un pelo del puente, hasta el punto de no dejar sitio para el arco, y lo hacía además sobre las cuatro cuerdas, realizando imitaciones y tocando con una rapidez increíbles”. La carrera lírica de Vivaldi remontó así su vuelo guiada por dos consignas: reformar y sorprender, en una coincidencia llamativa y premonitoria de arte y estrategia comercial.

La cuarta etapa de ese despegue fue la del desarrollo de una actividad estructurada como compositor particular, que multiplicaba sus compromisos puntuales y lucrativos con una red de clientes y mecenas. Esta actividad tuvo como objeto tanto la música instrumental, con la venta de conciertos escritos o adaptados específicamente en función de los encargos; la música vocal profana, con la venta de arias de óperas, cantatas o serenatas; y la música religiosa, mediante la composición de motetes, himnos, salmos y conciertos sacros para diferentes instituciones. Así es como Vivaldi escribió su Stabat Mater en 1712 para una iglesia de Brescia. Y así compuso también su primer oratorio, La vittoria navale, interpretado en Vicenza en junio de 1713.

Una de sus obras más conocidas son los primeros 4 de los 12 conciertos para violín de su Opus 8 denominados por Vivaldi como Il Cimento dell'Armonia e dell'invenzione (La Pelea entre la Armonia y la Razon), conciertos que fueron conocidos luego como Las cuatro estaciones.

Vivaldi está considerado como uno de los precursores de la música romántica. Sin embargo, no todos los músicos se mostraron tan entusiasmados con las obras del compositor italiano. Ígor Stravinski dijo de forma provocativa que Vivaldi "no había escrito cientos de conciertos, sino un único concierto repetido cientos de veces". Pero es precisamente, debido al establecimiento de la estructura del concierto con solista por parte de Vivialdi, que su desarrollo culminó con los Conciertos de Brandenburgo de J.S. Bach.

En el Siglo XX volvió a aparecer el interés por la obra de Vivaldi. Mencionemos a Antonio Fanna, Gian Francesco Malipiero, Angelo Ephrikian, y en especial Alfred Einstein quienes han difundido, editado y grabado en disco las obras de Vivaldi, muchas veces partiendo de manuscritos originales del compositor.