Baiuca es un proyecto muy personal que intenta acercar la tradición gallega a la vanguardia, a la electrónica. Instrumentos como cunchas, flautas, gaitas o voces tradicionales; se asocian con sintetizadores, cajas de ritmo y programaciones.

Detrás del proyecto nos encontramos a Alejando Guillán, Alex Casanova, quien ya había sorprendido con un synth pop realmente brillante, conjugando hedonismo 80s y pop electrónico con espíritu clásico y sintético. Todo ello quedó reflejado en “Antagonasia” (Crispis, 2014).

Alex decide dejar atrás todo aquello y comenzar un proyecto nuevo marcado en cierto modo, por la morriña y la saudade… “La idea lleva en mi cabeza diez años. Empecé a tocar la gaita cuando tenía unos diez años, era lo que me gustaba. Pero lo abandoné a los dieciséis como todo lo que hacía desde que era pequeño (la gaita, el clarinete, el fútbol...). Llegas al instituto y cambian tus gustos. Me empezaron a interesar los sintetizadores y la música electrónica pero poco después tenía claro que quería juntar estos nuevos sonidos con lo que teníamos en Galicia. Si se hacía con otras músicas por qué no se iba a hacer con la gallega? Probé diferentes ideas y nunca salía nada, hasta que decidí irme a vivir a Madrid y aproveché para repasar todos los discos de folk que tenía en casa, ver que podía hacer, llevarme las flautas, unas cunchas, la pandereta y si un día me salía o se me ocurría algo tener el material necesario conmigo. La morriña fue muy inspiradora. Desear algo es muy bueno cuando estoy creando. Cuando vivía en Santiago y no paraba de llover deseaba sol y playa y creaba canciones con mucha luz. Vivir en Madrid y estar lejos del mar es algo que me costó mucho, sobre todo al principio. Añorar todo eso me hizo crear un imaginario de imágenes, de aromas y de texturas muy inspirador” explica.

¿Por qué el nombre de Baiuca?... “Una baiuca es una taberna. Yo nací en Catoira, que es un pueblo de la provincia de Pontevedra situado en la desembocadura del río Ulla. Es conocido por la fortificación que hay al lado del río que antiguamente contaba con una torre a cada lado de la orilla, de las cuales colgaba una cadena gigante que pretendía servir de defensa contra las incursiones vikingas en Galicia con destino a la catedral de Santiago de Compostela. Cerca de estas torres hay un pequeño lugar llamado A Baiuca, que es donde yo nací. Creo que hace años existía una taberna en la zona y de ahí el nombre. Quería tener un nombre muy representativo de mi vida y este era perfecto, tanto por lo que representa para mí, como por la sonoridad que tiene, con tres vocales juntas”.

A lo largo de la historia hubo todo tipo de intentos de llevar la música tradicional gallega a la electrónica, unas con más éxito que otras. Desde Son Lalín y su “Muiñeira de Chantada” (Movieplay, 1978) que sonaba en las discotecas de Ibiza, y de toda España, a finales de los 70 a Bonovo, pasando por propuestas más recientes como Caxade, Trilitrate o Ulobit… “Hice un repaso de todo lo que tenía relación con el proyecto pero al final mi visión es diferente. Creo que lo de Son Lalín es lo más interesante, pero al final hay más de mi proyecto en Carlos Núñez o en Mercedes Peón cuando hacen acercamientos a la electrónica. No he tenido que forzar nada, solo necesitaba el momento idóneo para que me saliese lo que quería hacer. Al final estoy expresando lo que soy y lo que ha sido mi vida. En el disco quería dar mi visión de una de las canciones más conocidas de la tradición gallega como es la ‘Muiñeira de Chantada’. Con una canción que conocemos, que estamos acostumbrados a escucharla, como muta cuando se le da un nuevo aire”.

En la música de Baiuca encontramos elementos reconocibles de músicos como Carlos Núñez –especialmente las flautas-, Mercedes Peón, Xosé Lois Romero o Milladoiro, pero también propuestas vanguardistas como las de Nicola Cruz o Chancha Vía Circuito… “Me encanta Carlos Núñez y Milladoiro siempre han estado ahí. Son proyectos que han conseguido cosas increíbles. Que han tocado por todo el mundo haciendo que se conozca lo que es Galicia.

Los ritmos africanos están muy ligados con el house, quizás porque cuando comienza se samplean canciones de los 70 que están llenas de percusiones africanas. Y la música latina es puro baile, pero en Europa se utiliza muchas veces todo esto y se reniega de lo que hay aquí. Recuerdo la primera vez que escuché ‘Alegranza’ (Discoteca Océano, 2008) de El Guincho. Me pareció lamentable que eso estuviese sonando en todos lados. No podía entender como esa mezcla de samplers de canciones diferentes tuviesen sentido alguno. Tres meses después me parecía un disco brillante y a día de hoy creo que es uno de los mejores discos de la historia de la música española. Yo también quería eso. Igual que lo hace Omar Souleyman, igual que se fusiona el flamenco con otras músicas, etc. Al final ha sido más influencia ver como se hace la fusión en otras músicas y entender la importancia del ritmo, que en sí los propios artistas gallegos o de electrónica… Yo quiero homenajear todo lo que se ha hecho y todo lo que se sigue haciendo a día de hoy, pero es también interesante llevar la tradición más allá, para que se pueda conocer en otros espacios y para que las nuevas generaciones tengan una excusa para acercarse a sus raíces. No hay ninguna regla escrita o si hay una tendría que ser la de respetar la tradición, entendiendo cuales son nuestros ritmos y nuestros sonidos. Pero fuera de eso se pueden hacer cosas maravillosas”.

Todo ello queda reflejado en su primera entrega: “Solpor” (Raso, 2018). Un trabajo realmente espectacular en el que nos encontramos con canciones populares –“Muiñeira”, “Arrieiro”, “Mozas” y “Muíño”- y composiciones propias como “Solpor” y especialmente “Morriña”, que nacen con vocación de clásicos populares. En la grabación cuenta con las colaboraciones de Xisco Feijoó (voz en “Arrierio”) y de la Asociación Cultural Xirandela (“Morriña”, “Solpor”).

Alex tiene claro que el proyecto tundra continuidad y que hay que seguir explorando… “Esto ha sido un comienzo, una forma de sentar las bases del proyecto, pero todavía hay margen para experimentar y seguir descubriendo formas nuevas de entender esta unión de electrónica y folklore. Las canciones aunque mantienen una coherencia en el total del disco ofrecen visiones diferentes. De cada canción se podría hacer un disco conceptual diferente. Estoy muy centrado en este proyecto a día de hoy y quiero seguir avanzando”.

En 2019 vuelve a la carga con "Misturas" (Raso, 2019). Un EP en el que se acerca al universo de Xosé Lois Romero & Aliboria. Una formación que junto a Baiuca, es una de las grandes renovadoras de la música tradicional gallega. Aliboria es un colectivo dirijido por Xosé Lois Romero que "reinventan los cantos y los ritmos enxebres de Galicia", lo suyo es conjuntar unas potentes y emocionantes voces con arreglos de percusión "llenos de fuerza, raza y tierra".

Baiuca se acerca a cinco de las canciones del imprescindible “Xosé Lois Romero & Aliboria” (Autoproducido, 2016) y decide mezclarlas de nuevo. Más que de remezclas, tenemos que hablar de recomposición desde su propia perspectiva de esas canciones.

Grupos re

Santana es una banda estadounidense liderada por Carlos Santana cuyo estilo es una fusión entre el rock y los ritmos afrocubanos y latinos. Fue creada en 1966, y se hizo conocida en el festival de Woodstock de 1969.

Santana (llamada originamlente Santana Blues Band) nació en 1966 en San Francisco, California. Los miembros iniciales fueron Tom Frazier (guitarra), Mike Carabello (percusión), Rod Harper (batería), Gus Rodriguez (bajo) y Gregg Rolie (teclados, voz). En 1968, cuando todos sus integrantes tenían una edad en torno a los 18 años, hicieron su aparición en Woodstock, lo que les lanzó a la fama. esto les permitió lanzar su primer álbum, llamado sencillamente Santana en 1969. En 1970 Abraxas, con el que obtuvo más de un millón de copias vendidas.La formación que aparecía en su primer trabajo fue el sexteto clásico formado por Carlos Santana, Gregg Rollie, Mike Carabello, David Brown, José 'Chepito' Areas, Michael Shrieve. Esta formación se mantiene más o menos estable durante sus cuatro primeros álbumes de estudio, hasta el año 1972. En este año, Carlos Santana comienza a publicar álbumes de corte más experimental bajo el nombre 'Carlos Santana' al margen de la banda. En los próximos años y décadas, los miembros de la banda cambiarán de forma continua.

En la segunda mitad de los años 70, los trabajos de la banda están marcados por la experimentación; a excepción del álbum Amigos (1976) que supone una vuelta a los origenes en lo que a estilo se refiere. La banda comienza la decada de los 80 con varios discos que pretenden devolver algo de tirón comercial al grupo; buena prueba de ello son los álbumes Zebop! (1981), con el éxito "Winning", y Shango (1982), con el éxito "Hold On". Sin embargo, a medida que avanza la década, las ventas de los discos de Santana decrecen (aunque la banda continúa teniendo éxito en los conciertos). En el año 1987, Carlos Santana publica Blues For Salvador; un espectáculo musical grabado que le permite ganar el Grammy al mejor espectáculo instrumental.

A finales de los 90, se crea el sello "Arista". Santana abandona su sello habitual (con el que estaban descontentos) y se unen a "Arista". El disco resultante es Supernatural, en el que Santana contó con la cooperación de varios artistas invitados, como Maná (en el tema Corazón Espinado), Rob Thomas (Smooth) y Eric Clapton (The Calling), entre otros. Por ese trabajo, Santana obtuvo 9 Premios Grammy, 3 Grammy Latinos, vendió más de 25 millones de copias en todo el mundo y volvió a poner a la banda en el estrellato. Sus posteriores trabajos trataron de repetir la fórmula utilizada en "Supernatural": en Shaman, cuenta con las colaboraciones de Dido, Seal, Plácido Domingo, Michelle Branch; y en All that I am con Steven Tyler de Aerosmith y por segunda vez a Michelle Branch.


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